James Tissot

James Jacques-Joseph Tissot (1836-1902) fue un pintor y grabador francés. Alrededor de 1870 James conoció a Kathleen Newton, su esposa, protagonista de muchos de sus cuadros. Kathleen vivió con él hasta que enfermó de tuberculosis y se suicidó, a la edad de 28 años. Para James fue difícil retomar su carrera, pasaron muchos años antes de que se dedicara a pintar acerca de Cristo y el Antiguo Testamento.

A passing storm large

Podemos observar una dama que nos mira como expectante de lo que creemos que pasará: ¿acaso ese hombre pensativo en la ventana se decidirá a entrar?; ¿Será que la tormenta se desatará?

Dos damicelas se inclinan para observar los detalles de una pintura, acaso reflejando, al menos la mía, la actitud de enfocar la mirada en esta misma pintura para no perderse ningún detalle. Lo tomo como una invitación a sumarme a observar esa obra junto a ellas: parece una guerra, soldados luchando a caballo a las orillas de una isla. Detrás, muchos detalles: ¿acaso vieron ese hombre de barba negra y espada?

La despedida

-Oh, debo irme-

-Pero regresa pronto, lleva contigo esa llave en el vestido, y te aguardaré con mi caballo que está atrás mío-

Coronel Frederick Gustavus Barna 1870

Malas noticias

Tissot retrata la consternación en las miradas con sumo realismo. La mirada perdida de él y la de la dama que intenta consolarlo, los leves pliegues en la frente, las manos unidas por ambos pulgares, la otra dama que intenta tal vez ofrecer un té para cambiar las emociones.

La hija del capitán 1873

Vemos a la protagonista sumida en sus inquietudes, mirando algo a lo lejos, tal vez un escenario de otra pintura. Ella mira a otro lado, mientras todos la miran a ella. Detrás el capitán y un marinero conversan sobre ella, o tal vez solo es el marinero quien la mira y conversa sobre ella en sus pensamientos, mientras comparte una copa con el capitán. Detrás una pareja, y el hombre, desde lejos, la mira ella también.

-Oh miren ahí abajo- Esta pintura retrata la inclinación del barco, y ese leve vértigo al inclinarnos por la borda junto a la dama de blanco.

En medio de ese pantano a punto de oscurecer, y esa mirada no solo de ella, sino también del canino, imposible no sentirse al menos un poco intimidado.

Retrato de Kathleen Newton

Hermosa. Increíble tapado y sombrero. Parece una fotografía.

Detrás de esta escena de vacaciones en el campo, hay un hombre apoyado sobre una columna: ¿qué estará pensando? Tal vez unos minutos más tarde se anima a sumarse, o a invitarla a ella, a alguna de las dos, a pasear por el jardín.

La creación, 1902

Muchos pintores retrataron alguna obra llamada La creación. En el caso de Tissot, es curioso que lo hizo en el año de su muerte, pintando dos seres sin contacto entre sí; más bien una dama de blanco soñando despierta y a sus espaldas una mujer más grande, mirándola de forma interrogativa y a punto de pasar la página del libro que le estaría leyendo.

Las damas artistas, 1885

La confidencia, 1867

La carta

¿Qué dirá esa carta?, ¿Se trata de aquel hombre, detrás que se inclina sobre la mesa?

El viajero, 1885

Muy temprano

Esos momentos en que la fiesta aún no empezó, pero de alguna manera, ya empezó…..

Mariotto Albertinelli

A veces las imágenes hablan por sí solas. Mariotto Albertinelli (1474-1515), pintor italiano del renacimiento, presenta escenas muy contundentes, algunas muy dramáticas. Y luego parece que las prosigue el silencio.

Se caracteriza también por implementar figuras similares o idénticas pero en diferentes contextos y escenarios.

La visitación

Caín y Abel

La anunciación

La virgen y el niño. La figura de la virgen es citada en varias de sus obras, con una imagen a menudo repetida

La creación

Grandma Moses

Anna Mary Robertson Moses, más conocida como Grandma Moses (1860-1961), fue una artista muy particular. Comenzó a pintar en sus setenta años de edad. Fue autodidacta, se enseñó a ella misma.  Vivió muchas décadas en el campo: recuerdos que luego reflejaría en sus pinturas. En 1938 un coleccionista de arte descubrió sus obras y se la reconoció por sus imágenes de la vida en el campo. Murió en 1961, a los 101 años de edad.

 

Para celebrar su cumpleaños número 100, el gobernador de Nueva York, Nelson Rockefeller, declaró el 7 de septiembre de 1960 como el «Grandma Moses Day» (el día de la abuela Moses). En ese momento Grandma Moses estaba enferma y murió al año siguiente en un centro médico en Hoosick Falls, Nueva York.

Muchas de sus pinturas fueron utilizadas como portadas de las tarjetas de Hallmark.

«Yo pinto de arriba hacia abajo; el cielo, luego las montañas, luego las colinas, luego las casas, luego el ganado y luego las personas» (Grandma Moses)

Vivió entre guerras civiles y guerras mundiales. Después de que su esposo murió, en 1927, y luego de tener que abandonar el bordado a causa de una artritis, comenzó a pintar para mantenerse ocupada, plasmando sus recuerdos de los tiempos en el campo, como una época que la llenó de felicidad. «Miro mi vida como una suma de buenos días de trabajo. Está todo hecho y estoy satisfecha con ello». Y se la recuerda por esta frase: «Life is what we make it, always has been, always will be» (La vida es como la hacemos, siempre ha sido así, siempre será así).

Apple butter making

Joy ride

Pumpkins

Pumpkins

En 1960, la comedia de televisión Beverly Hibillies utilizó el nombre de Abuela Moses en su homenaje.

 

Jean Antoine Watteau

Jean Antoine Watteau (1684-1721) pintor francés. Uno de los mayores exponentes del barroco francés y del rococó. Se le atribuye la creación del género de las fetes galantes (fiestas galantes): escenas de cortejo amoroso, diversiones, música, canto y danzas en movimiento. En sus obras aparecen mucho las escenas teatrales y personajes del teatro, con quienes él se relacionaba mucho, como los comediantes italianos, arlequines y payasos. En 1719 se trasladó a Londres para consultar a su amigo el doctor Mead sobre la tisis que padecía. Pero sin una cura regresó a París y murió de tuberculosis a los 37 años, cuando sus obras empezaban a ser reconocidas.

Pareja elegante pasea junto a una fuente esculpida.

Llama la atención la situación capturada en la escena: una pareja observa a un grupo de amigos, dándose media vuelta, dirigiendo la mirada del espectador. Ese grupo de amigos parece estar conversando en tono chistoso, o tal vez el hombre intenta abrazar a la dama de espadas y ella lo está separando un poco con la mano, mientras una niña le agarra con delicadeza un mechón del cabello. En el fondo se puede observar otras parejas conversando, tendidos sobre el parque.

Una pareja pasea de la mano por el jardín. Resulta llamativo cómo Watteau decide plasmar la expresión de la mujer que mira de perfil y un poco hacia abajo a su pareja, con un aire entre maternal y dominante de la situación, mientras que el hombre se ve de espaldas. El fresco se conserva un poco arruinado debido a la técnica de braniz que se utilizaba en la época. En cambio, sus dibujos se conservan mejor, y se puede observar su delicada técnica.

An embarrasing proposal 1716

Esta obra se llama Una propuesta embarazosa, ¿qué será lo que le está proponiendo el caballero a esa dama de espaldas, que parece inclinarse un poco hacia atrás mientras él le habla? Mientras tanto detrás de ella, dos amigas conversan entre sí, y detrás de ellas, otro caballero parece observar la situación con gracia.

Embarcación para Citera

Citera, una isla griega en las islas Jónicas. Un barco repleto de ángeles que revolotean alrededor y se extienden a la isla, dispersándose entre las personas, se confunden con los árboles y con la fuente esculpida.

Ceres, la diosa romana de la agricultura, la cosecha y la fecundidad, acompañada de un león feroz.

Me resulta destacable cómo Watteau captura una escena tan simple cómo desempacar cuadros para colgar en una pared repleta. La dama se encuentra de espaldas y sin embargo ocupa un lugar central en la escena, en la que se destaca por su vestido de seda rosado, y su mirada que dirige la mirada de todos hacia los cuadros. El caballero que le pide la mano, la mira a ella, y los hombres que desempacan miran los cuadros. Mientras tanto, el único que parece mirarnos, medio escondido, es el hombre del retrato que reposa en la caja, a punto de ser desempacado.

Una conjugación de elementos alegres, niños tocando música en el jardín, un perro durmiendo la siesta con ellos, el hermoso vestido de la chica que mira sonriente, y lo que una hermosa casa con techos azules a la distancia. En la base del árbol parece haber un portaretrato medio envuelto en un pañuelo de seda, que pasa desapercibido, y sin embargo está ahí.

Watteau captura una escena de baile en movimiento y músicos tocando, de una manera tal que parece escucharse la música y hasta sentirse la cadencia de la danza de aquellos dos.

El indiferente, 1717

¿Por qué aquel retrato se llamará El indiferente? Me llama la atención, siendo un hombre que parece ofrecer un gesto entre teatral y de saludo hacia quien lo mira.

El baño de Diana

Resulta interesante cómo toda la disposición de los elementos en el cuadro acompañan la inclinación de Diana que se seca el pie: el árbol, a su derecha, la nube a sus espaldas, la copa del árbol detrás de ésta.

Los jugadores

Me pregunto a qué estarán «jugando» en esa expresión tan teatral.

Fiesta de cuatro

En esta escena el comediante italiano se encuentra de espaldas, mientras su público de tres lo observa, mientras nosotros los observamos a ellos observándolo a él. Interesante puesta: no siempre logramos ver la función desde atrás.

Un gato escultor. Sí, eso mismo. En pleno trabajo, haciendo malabares con las cuchillas en su taller, con una sonrisa en su rostro que destella creatividad.

El juicio de París

Esta escena resulta un tanto perturbadora: el espejo que sostiene el hombre refleja un rostro que no se encuentra en la pintura. Por encima suyo se encuentra un ángel que se lleva un dedo a la boca cómo pidiendo silencio a nosotros que vemos algo que la dama desnuda no ve porque mira hacia otro lado.

Jupiter and Antiope

La ninfa de la fuente

El arlequín, 1716

Campos eliseos

Amor en el teatro

Los artistas miran al público, mientras otro hombre le habla a una mujer que parece cansada, y sostiene un perrito que también mira al público. Parece una captura en un instante, como si fuera una fotografía y hubiera sido retratada en cinco segundos.

Lección de música, 1719

A veces la música inspira palabras y a veces las palabras inspiran música

  Johann Ludwig Wilhelm Müller (1794-1827)

Fue un poeta alemán. Sus poemas inspiraron a Franz Schubert para sus composiciones acerca de La bella molinera y Canciones de invierno.

Soledad

Como una nube atribulada
Que va en el aire alegre,
Cuando en la punta del abeto
Una brisa cansada gime.

Así alargo yo mis calles
Andando con pasos apáticos,
Cruzando vida clara y alegre
Solo y sin un saludo.

¡Ah, que el viento sea tan tranquilo,
¡Ah, que el mundo sea tan ligero!
Al bramar de la tormenta,
Nunca fui tan miserable.

*****

Rigidez
En vano busco en la nieve
El rastro que dejaron sus pasos
Cuando ella caminaba de mi brazo
Por la verde campiña.
Quisiera besar el suelo,
Fundiendo el hielo y la nieve
Con mis ardientes lágrimas
Hasta que se vea la tierra.
¿Dónde encontrar un retoño?
¿Dónde hallaré hierba verde?
Las flores han muerto
La hierba está marchita.
¿No habré de llevar conmigo
Un recuerdo de este lugar?
Cuando mi dolor se aplaque
¿Quién de ella me hablará?
Mi corazón está como muerto,
Su imagen congelada dentro de él.
Si otra vez llega a enternecerse
Su imagen también se fundirá.

*****

Buenas Noches

 

Como un extraño llegué,
parto también como un extraño.
Mayo fue benévolo conmigo
y me dio muchos ramos de flores.
La muchacha habló de amor,
su madre incluso de boda.
Ahora el mundo es tan lóbrego,
el camino está oculto por la nieve.
No puedo elegir
la hora de mi viaje,
he de encontrar el camino
en medio de esta oscuridad.
Me acompaña una sombra
que proyecta la luna,
y por los blancos campos
busco huellas de animales.
¿A qué permanecer más tiempo
y que me echen?
¡Que aúllen los perros aturdidos
ante la casa de su amo!
El amor gusta de vagar sin rumbo
-así lo ha hecho Dios-
de un lado para otro.
¡Así lo ha hecho Dios!
El amor gusta de vagar sin rumbo
-¡amada mía, buenas noches!-
de un lado para otro.
¡Amada mía, buenas noches!
No perturbaré tus sueños,
sería horrible para tu reposo,
no escucharás mis pasos.
¡Chito, chito, la puerta está cerrada!
Cuando paso por ella te escribo
en la puerta «Buenas noches»
para que puedas ver
que he pensado en ti.

*****

¿A Dónde?

Yo escuché al arroyuelo que murmura
al caer de la roca,
corriendo hacia el valle
tan fresco y cristalino.

No sé lo que me pasó,
tampoco quién me dio el consejo,
tuve que bajar
con mi vara.

Descendí cada vez más bajo,
siguiendo siempre junto al arroyo,
que cada vez murmuraba
más fresco y cristalino.

¿Entonces éste mi camino?
¡Oh arroyuelo!, dime, ¿a dónde vamos?
Con tu murmullo
me has embriagado mis sentidos.

¿Qué digo murmullo?
Estos no pueden ser murmullos.
Son las náyades que cantan
allá abajo su canción.

¡Déja que canten compañero,
deja que murmuren y sigue tu camino!
Pués todo arroyo claro
hace girar al molino.

El organillero

Al otro lado del pueblo
hay un organillero,
y con dedos entumecidos,
toca lo mejor que puede.

Con los pies desnudos, en la nieve,
va dando tumbos de un lado a otro
y su platillo
permanece siempre vacío.

A nadie le gusta escucharlo,
nadie lo mira,
y los perros gruñen
alrededor del anciano.

Y deja que pase
todo, como quiera;
gira, y su organillo
nunca permanece mudo.

Anciano singular,
¿debo ir contigo?
¿Quieres girar tu organillo
para mis canciones?

Agua que corre

Muchas lágrimas de mis ojos
Han caído en la nieve;
Sus fríos copos beben
Ansiosamente el dolor que encuentran.

Cuando la hierba va a brotar
Sopla de ahí un fuerte viento,
Y el hielo se disuelve en el témpano,
Y la débil nieve se derrite.

Nieve, tú conoces mi añoranza:
Dime, ¿a dónde conduce tu rumbo?
Sigue nada más mis lágrimas,
Toma rápido ese arroyito.

Atravesarás con él la ciudad,
Calles alegres aquí y allá:
Cuando sientas que mis lágrimas se derriten
Ahí será la casa de mi amada.

Mirada atrás

Me arden las plantas de los pies
De tanto andar sobre hielo y nieve.
Quisiera retener el aliento
Hasta que ya no vea las torres.

Me he tropezado con cada piedra,
Con esta prisa abandono la ciudad;
Los cuervos arrojan bolas y piedras
En mi sombrero desde todas las casas.

¡Qué diferente me habías recibido,
Tú, ciudad de la inconstancia!
En tu blancas ventanas cantan
Alondra y ruiseñor en barullo.

Los redondos tilos florecen
Las orillas claras murmuran claramente,
Y ay, dos ojos de doncella se derriten,
Esto fue por mí, mi amigo.

La maquinaria de Lucy Tejada

Lucy tejada (1920-2011) fue una artista colombiana: pintora, grabadora, dibujante y muralista. Su hermano, Hernando tejada, también pintor.

En su ciudad natal, Pereira, hay un imponente Centro Cultural, que en homenaje lleva su nombre, CENTRO CULTURAL LUCY TEJADA; ubicado en el lugar que ocupaba la Galería central, es donde se localiza el Instituto de Cultura de Pereira, la banda de Músicos, la Emisora Remigio Antonio Cañarte, la Biblioteca Municipal, Sala de Exposiciones, los talleres de música, teatro, y danzas.

“Partiendo de Máquina triste, un grabado de 1979, continuando con un dibujo de 1980 llamadoLos que salen, inicio la serie Máquinas desventuradas. Allí, una locomotora de vapor triste y estática, que nunca viajará en su paisaje imposible con esas mujeres que salen de la realidad hacia una eternidad sin esperanzas.
La serie Máquinas hace alusión a los desarrollos tecnológicos. La máquina era una representación de ese progreso, que entonces yo veía con cierta prevención.
Este tema lo abordé usando muchas técnicas, las cuales enriquecían la obra, pues al aplicarlas, combinarlas o compararlas iba encontrando cosas nuevas e interesantes.
Los elementos metálicos yo los representaba junto con animales que había visto en la Guajira o que se encontraban en las Islas Galápagos. Lo que hacía era crear un contraste entre los seres vivos con los elementos estáticos en metal.” (Lucy Tejada, 2006)

sueño del árbol

mural

Lucy Tejada, foto de Hernán Días

Lucy

Pájaro herido

Las veloces, 1990

Gata por Alejandro Valencia Tejada, esposo de Lucy e ilustrado por Lucy tejada

Las ilustraciones de la gata, en palabras de Lucy, mezclan «elementos de mar y aire con los rostros plácidos y alegres de los niños y el vuelo festivo de las mariposas».

Niños, 1991

 

Nicholas Roerich: el legado de arte paz

Nikolái Konstantínovich Roerich (1874-1947) fue un ilustre artista ruso, filósofo, escritor,arqueólogo, viajero y persona pública. Fundó el movimiento internacional de protección de la cultura e incentivó el llamado «Pacto Roerich», acuerdo internacional sobre la protección de las instituciones artísticas, científicas y los monumentos históricos.

El Pacto comienza de esta forma: «Serán consideradas como neutrales y como tales respetadas y protegidas por las partes beligerantes, las instituciones de ciencia, de arte, de educación, de conservación de los objetos de cultura y misiones científicas. Con igual respeto y protección se tratará al personal de las instituciones arriba mencionadas, sus bienes y colecciones. <…> Las instituciones, colecciones y misiones que se registren a base del Pacto Roerich serán diferenciadas con la bandera distintiva de ese Pacto (la Bandera de la Paz), lo que les otorgará especial protección y respeto por parte de los estados beligerantes y de los pueblos de todos los países signatarios del Pacto.»

En una oportunidad conoció a León Tolstoi, quien le dijo «¿Ha podido, por casualidad, cruzar en barca un veloz río? Es menester guiar la barca a un lugar más alto que la meta, o el río se la lleva. Lo mismo pasa en la esfera de las exigencias morales: hace falta guiar la barca hacia lo más alto posible, pues la vida se lo lleva todo. Que su mensajero maneje el volante muy alto, ¡entonces llegará>>

Mensajero del Himalaya

Mensajero

«El intuitivista más grande del siglo», así lo llamó el escritor Maksim_Gorki, cuando Roerich expresó con simbolismos en sus pinturas los presagios de la Primera Guerra Mundial.

and we are not afraid 1922

«El arte unirá a la Humanidad. El arte es uno e irrepartible. El arte tiene muchas ramas y una sola raíz… Cada uno percibe la verdad de la belleza. En la belleza estamos unidos, por la belleza oramos, Con la belleza conquistaremos. Para todos deben ser accesibles y abiertas las puertas de la fuente sagrada. La luz del arte iluminará los innumerables corazones con un amor nuevo. En un principio, este sentido vendrá desapercibido, pero más tarde este sentido limpiará toda la conciencia humana. Cuántos corazones jóvenes están buscando algo bello y auténtico. Dadselo, pues. Dadle el arte al pueblo, que el arte le pertenece.» (Nicolás Roerich, «Sobre el Arte»)

The summit light house

Libro de palomas de la paz

La estrella del héroe

Esfinge de hielo 1938

Moses the leader 1926

Krishna, spring in Kulu, 1930

Nicholas D’Agosto y el profeta

Ashrama

En palabras de Nicholas Roerich «El Pacto por la protección de los tesoros culturales no es necesario únicamente como un instrumento oficial, sino, más bien, como una ley de instrucción, que desde los primeros días escolares inspire en la joven generación las nobles ideas sobre la preservación de los valores auténticos de toda la humanidad»

El paisaje esfumado de Francesco Guardi

Francesco Guardi, retratado por Pietro Longhi en 1764

Francesco Lazzaro Guardi (1712-1793) fue un pintor de vedute (pintura de paisaje) de Venecia.

Vista de la punta della Dogana en dirección a la Chiesa della Salute, hacia 1780.

En palabras de la Web Gallery of Art: La perspectiva, el espacio aéreo organizado, la solidez palladiana (…) son sustituidos por un estilo personal de escritura en color – ahora brillantemente caligráfica, y ahora brillantemente nublada.

Guardi se caracteriza por pintar paisajes esfumados en que los edificios parecen disolverse junto a las formas y los colores en el aire. Ocurrente forma de relacionarse con el momento histórico. La ciudad, tal como estaba, comenzaba a hundirse en medio de la decadencia del Imperio, para convertirse según Napoleón en «la sala de Europa» repleta de carnavales, casinos y cortesanas de alquiler.

Fire in the San Marcuola

Carnival on the Piazzetta

El angelus y las proezas de Millet

Jean Francois Millet

Jean Francois Millet fue un pintor francés realista (1814-1875). Se caracteriza por pintar escenas rurales de campesinos en contraposición al ciudadano industrial.

En 1857 Millet pintó una obra que aparenta ser muy sencilla y sin embargo fue inspiración para otros artistas y siembra de misterios y especulaciones que la hicieron tal vez, más bella y misteriosa. Se trata de El angelus.

El angelus

 

Esta obra fue un encargo de un coleccionista de arte estadounidense, Thomas Gold Appleton. Finalmente el comprador no recogió la obra, y Millet le añadió un campanario y le cambió el título de Oración por la cosecha de patatas al de El Angelus. Esta obra fue reproducida varias veces en los siglos posteriores. Salvador Dalí estaba fascinado con esta obra y escribió un análisis: El mito trágico de El angelus de Millet. Dalí consideraba que la obra proyectaba no una imagen pacífica, sino agresión sexual reprimida, y que las dos figuras están rezando sobre la tumba de su niño muerto. Tanto hincapié hizo sobre esa idea, que finalmente radiografiaron el lienzo y encontraron que la pintura contiene una forma geométrica similar a un ataúd, sobre la que se pintó luego por encima, y aparentemente en el lugar del cesto de frutas había un niño fallecido. De todas formas, no es posible confirmar si Millet cambió el significado de su pintura, ni si esa forma es efectivamente un ataúd. Pero en todo caso, el hecho de que la idea de un pintor pudiera cambiar el significado de una obra ajena, ya es muy interesante. ¿Se puede decir que la obra fue completada con su mirada? Desde un punto de vista, una obra es más que su intención, es el significado que el observador le otorga. Desde otro punto de vista, que una mirada pueda cambiar la intención original, ya resulta un círculo completo de idas y vueltas en el arte de la comunicación de la pintura y las ideas.

Reminiscencia arqueológica de El angelus, Salvador Dalí, 1934

Para Dalí esta obra “se convierte de súbito en la obra pictórica más turbadora, la más enigmática, la más densa, la más rica en pensamientos inconscientes que jamás ha existido.”

Se obsesionó tanto con esta pintura que a lo largo de su obra la reprodujo sistemáticamente en distintas composiciones.

Angelus, Dalí, 1932

Atavismo del crepúsculo, Dalí, 1933

El Angelus de gala, Dalí, 1935

Angelus arquitectónico de Millet, Dalí, 1933

El espectro del Angelus, Dalí, 1934

Millet también fue una inspiración para Van Gogh, quién lo mencionó muchas veces en sus cartas a su hermano Theo. Muchas de sus pinturas son sobre campesinos.

La siesta, Millet, 1866

La siesta, Van Gogh, 1889

La siesta, Picasso, 1919

Sus paisajes también inspiraron a Claude Monet, y su contenido estructural y simbólico influyeron en Georges Seurat.

La pintura de Millet,  L’homme à la houe inspiró el famoso poema «The man with the hoe» (1898) de Edwin Markham,

Inclinado por el peso de los siglos se apoya

sobre su azadón y mira al suelo,

el vacío de los años en su rostro,

y en su espalda la carga del mundo.

¿Quién lo hizo arrebatado y desesperado hasta la muerte?,

Una cosa que no se aflige y nada espera.

Impasible y drogado, ¿un hermano del buey?

¿Quién aflojó y desinfló esa brutal mandíbula?

¿De quién fue la mano que sesgó su frente hacia atrás?

¿De quién el aliento que apagó la luz en su cerebro?

¿Es esta hazaña del Señor para tener dominio

sobre mar y tierra;

para trazar las estrellas y buscar poder en el cielo¨

para sentir la pasión de la eternidad?

¿Es este el sueño que él soñó, quién dio forma a los soles

y marcó sus caminos en la prehistoria profunda?

Bajando por el estrecho del infierno hasta el último golfo

no hay forma más terrible que ésta-

más trenzada con censura de la ciega glotonería del mundo-

más llena de signos y presagios para el alma-

más cargada de amenaza para el universo.

¡Qué golfos entre él y el Serafín!

Esclavo de la rueda del trabajo,

¿qué son para él Platón y el destello de las Pléyades?

¿Qué tan alto llega a la cima de las canciones,

la rompiente del alba, la redención de la rosa?

A través de esta forma amedrentrada observa los años sufridos;

la tragedia del tiempo está en esa inclinación doliente;

a través de esa forma apenada en que la humanidad lo traicionó,

saqueó, profanó y desheredó, llora en protesta a los poderes

que hicieron el mundo.

Una protesta que es también una profecía.

Oh maestros, señores y dirigentes de todas las tierras,

¿es este el trabajo manual que dan a Dios?,

¿Esta cosa monstruosa distorsionada y desalmada?

¿Cómo podrán alguna vez enderezar esta forma;

tocarla devuelta con inmortalidad;

devolverle la mirada hacia arriba y la luz;

reconstruirla en la música y el sueño,

rehacer las inmemoriales infamias,

Injusticias traidoras, irreparables congojas?

Oh maestros, señores y dirigentes de todas las tierras

¿Cómo tendrá en cuenta el futuro a este hombre?

¿Cómo responder a su brutal pregunta en esa hora

cuando torbellinos de rebelión sacudan toda la costa?

¿Cómo será con reinos y con reyes- con aquellos que

lo moldearon como la cosa que es-

cuando este estúpido terror se erija para juzgar al mundo,

después del silencio de los siglos?

 

 

L’homme a la houe (Hombre con azadón)

 

«La belleza no yace en el rostro. Reposa en la armonía que existe entre una persona y su industria. La belleza es expresión. Cuando pinto a una madre trato de retratar su belleza por la mirada que le da a su hijo» (Millet)

caza de pájaros nocturna

Primavera- Daphne y Chloé, 1865

Reivindicación a Disney (Parte 2) O mejor dicho: extensión bestial, antes de continuar…

La Bella y la Bestia

Se critica a esta película con el argumento de que Bella se enamora de alguien que la encierra y es cruel con ella. Bien, analicemos más a fondo este panorama simplista. En primer lugar Bella es admirada por muchas mujeres que crecieron con ella en la infancia, porque a esta muchacha le fascinan los libros, se la pasa leyendo, y es tildada de rara en el pueblo justamente por eso. Le encanta el conocimiento y sueña con ir más allá de lo que el pueblo le ofrece. Por eso se distingue de todos los demás. Por otro lado, Gastón personifica al lindo del pueblo, el más fachero, el que todas las damas quieren como novio. Pero lo que la historia principalmente enseña es que una cara bonita no significa que acompañe a un alma bondadosa, ni a una mente despierta, con ganas de abrirse a las puertas del conocimiento. Y como si fuera poco, Gastón es orgulloso y vanidoso. A Bella, todo eso no le gusta nada. Ahora, repasemos la historia de la Bestia. Antes de convertirse en Bestia, él era un príncipe hermoso, como Gastón, pero tampoco tenía un alma bondadosa. Por eso la bruja le conjura un hechizo, convirtiéndolo en Bestia, y le otorga una rosa que simboliza el tiempo que tiene para cambiar por dentro, en su interior. La Bestia debe encontrar el amor, antes de que caiga el último pétalo, o será Bestia por siempre. Cuando Bella cae en su palacio, para rescatar a su padre, la Bestia la obliga a quedarse en el palacio. Él era el malvado de la historia. Cree que obligándola a amarlo evitará que el hechizo se realice. Pero lo importante de la historia, es la transformación que sufre la Bestia al estar en contacto con un ser bondadoso como Bella. Él se termina enamorando de ella, y cuando Bella le pide por favor que la deje ir a ver a su padre para asegurarse de que está bien, la Bestia la deja ir, sabiendo que probablemente no vuelva con un ser despreciable como él. En la siguiente escena, la más conmovedora tal vez, la Bella es atacada por unos lobos salvajes, y la Bestia, observando eso desde su palacio, corre a defenderla, y lucha contra ellos, para que ella pueda regresar con su padre sana y salva. Y resulta que es ahí- cuando la Bestia la deja libre, porque la ama- que la Bella se da cuenta de la clase de persona que devino la Bestia, debajo de su cuerpo horrible. Ella se enamora de la Bestia, que más allá de su exterior, había dejado de ser una Bestia. Se enamora de la persona que la dejó libre para que volviera con su padre. Se enamora de la persona que le regaló la biblioteca más extensa del palacio, porque sabía cuánto ella amaba los libros. Se enamora de la persona que luchó contra los lobos, a pesar de salir herido, para salvarle la vida a ella. Se enamora de la persona que renunció a sus propios intereses, resignando su vida eterna a ser una Bestia, para salvarla a ella, a quién amaba. Por eso, es ella, la que decide volver, cuando el pueblo se rebela en contra de la Bestia, tan solo por lucir horrible, y quiere matarlo. Ella vuelve y se convierte en su heroína, defendiéndolo y salvándolo de la muerte. Segunda escena conmovedora de la película: ella lo besa antes de que caiga el último pétalo, y se rompe el hechizo. Vaya que es una película muy conmovedora y profunda. No hace falta señalar que es una de mis favoritas. Interesante punto a destacar: el “malo” de la película, la Bestia, es capaz de cambiar y transformarse en el “bueno”, el “héroe” feo, descubriendo que el verdadero “malo” de la historia, es Gastón, que aún siendo el más “lindo”, no fue capaz de cambiar su interior malvado y vanidoso.

Es interesante remontarse a los orígenes de la Bella y la Bestia. Se trata de un cuento de hadas tradicional francés, cuya primera publicación se atribuye a la escritora francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, en 1740, aunque otras fuentes atribuyen a Gianfrancesco Straparola la recreación de la historia original, en 1550. La versión escrita más conocida fue una revisión abreviada de la obra original de Villeneuve, publicada en 1756 por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. En esta versión la Bella era hija de un mercader y tenía varias hermanas. Cuando el padre debe viajar, todas sus hermanas le piden que les traiga vestidos y joyas, pero Bella tan solo le pide una rosa. Es interesante cómo se mantiene el concepto de vanidad en las hermanas, que en la adaptación de Disney es trasladado a las damas del pueblo que tan solo quieren un hombre “bello” como Gastón, quien encarna la representación de las joyas ansiadas. El papel de la rosa es mucho más poético y dramático en la versión de Disney, que ya no es algo que quiere Bella, sino que representa el amor envuelto en un ser frágil y bello que se va muriendo a medida que la Bestia pasa el tiempo sin ser capaz de amar. Otro detalle, es que en la versión de Beaumont, al finalizar la historia- cuando Bella y Bestia se enamoran, ella rompe el hechizo con un beso y viven felices por siempre- las hermanas pasan a convertirse en estatuas capaces de observar el amor de Bella y Bestia, como en una suerte de lección. En cambio, en la versión de Disney, es interesante cómo el hechizo de la bruja que comprometió a Bestia, se extiende a todos los que trabajan en su palacio convirtiéndolos en muebles y objetos parlantes personificados como los humanos que son en esencia, y al romperse, retoman su forma original. En conclusión, es mucho más interesante, actualizada, poética y justa, la versión de Disney.

Homenaje ilustrativo a la bella y la Bestia de Disney 🙂

Bella y Bestia representación teatral

Representación de Bella y Bestia en «Once upon a time», serie de Disney

Chistecito ^^

La mini Bella no puede dormir sin su Bestia de peluche